Cinéastes de M à O Il y a 56 produits.

Liste des films organisé par le nom du cinéaste M à O

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  • Christopher Maclaine

    Christopher MacLaine (né en 1923 dans l'Oklahoma, Etats-Unis et est mort en 1975 en Californie, Etats-Unis) était un réalisateur américain, écrivain et cinéaste. En tant que réalisateur, il a filmé quatre courts métrages: Beat (1958), L'Homme Qui A Inventé L’Or (1957), Scotch Hop (1953), The End (1953); et a également servi comme l'écrivain et cinéaste pour 'L’Homme Qui A Inventé L’Or’.

    MacLaine est diplômé de Berkeley UC- en 1946 et après avoir obtenu, est devenu l'un des plus influents poètes Beat californiens. Il a fondé un magazine littéraire et a publié plusieurs petits livres avant 1960.

  • Guy Maddin

    Guy Maddin (né le 28 février 1956 au Winnipeg, Manitoba- Canada) est un rélisateur, acteur, ingénieur de son, directeur de la photographie et scénariste. Maddin a recu son diplôme en sciences économiques à l’Université de Winnipeg au Canada. Maddin a d’abord travaillé en tant que guichetier dans une banque, puis en tant que peintre avant de se lancer dans l’univers du cinema. Son premier court métrage ‘The Dead father’ (1986), montre son intéret pour le surréalisme gothique, pour la déviance sexuelle dans ‘Careful’ (1991), la répréssion dans ‘Le Crépuscule des nymphes de glace’ (1997) et la folie dans ‘Tales from the Gimli hospital’ (1988).

    Les réalisations de Maddin sont marquées par son imagination, des décors semi-mythiques, un registre experimental…

    Au long de sa carrière, Guy Maddin a réalisé, écrit, dirigé la photographie et monté plus d’une trentaine de courts métrages.

  • Lionel Fox Magal

    Lionel “ fox ” Magal est musicien, cinéaste, homme de radio, nomade, passeur et conteur. Il participe entre autre à la fondation de radio Nova en 1981. Il est le cofondateur en 1968, avec son frère Thierry Magal, du Crium Delirium Circus, un groupe artistique polyvalent d’action et d’intervention.

  • Anne Maregiano

    Anne Maregiano est une réalisatrice qui, avant de réaliser son premier court-métrage de 26 minutes ‘Timor Lorosae, Long Journey to Freedom’ a été assistante de production et de réalisation pour des films documentaires musicaux pendant cinq ans, en Australie sur le referendum d’août 1999 pour l’indépendance du Timor-Oriental.

    Après son retour, elle suit une formation à la réalisation documentaire aux Ateliers Varan où elle réalise son deuxième opus ‘L’Asso’, qui a été séléctionnée au Festival de Femmes de Créteil en 2001.

    Maregiano assiste à un concert au Louvre de Charlemagne Palestine, un musicien new-yorkais issu du mouvement minimaliste des années 70, puis décide de faire son premier long métrage documentaire sur cet artist original. Son long métrage documentaire ‘Charlemagne Palestine, the Golden Sound’ a été montré pour la première fois à Paris en juin 2001.

    En même temps, elle réalise plusieurs films documentaires courts: L’Art d’Apprendre en 2003, où elle suit pendants plusieurs mois des jeunes adolescents dans un école d’art aux Etats-Unis. Ses autres films: ‘Jonas, Adolfas, Pola, Journey to Paris’ (2004) qui se consacre à trois grands réalisateurs de films expérimentaux, ‘La Ville en 2030?’ et ‘L’Eau Urbaine’ en 2007/2009 consacrés aux Atelier de Création Urbaine pour le Conseil régional d’Ile-de-France et ‘INHA, 10 ans déjà’ en 2011 pour l’Institut National d’Histoire de l’Art’, ‘Un autre souffle’ en 2012 pour la Fédération des Maisons de la Jeunesse et de la Culture en Ile-de-France, ‘Mon crocodile’ en 2013 pour l’association Relais Enfants-Parents de Lyon.

    Depuis sept ans, elle tourne et monte des films de commande sur l’architecture, l’urbanisme ou l’histoire de l’art.

    Son dernier projet est un atelier de portrait sonore et audiovisuel à la Maison des Aveugles de Lyon.

  • Chris Marker

    Chris Marker (né le 29 Juillet 1921 à Neuilly-sur-Seine et décédé le 29 Juillet 2012 à Paris) était un cinéaste, écrivain, illustrateur, traducteur, photographe, éditeur, philosophe, essayiste, critique, poète et producteur. Ses œuvres les plus connues sont: La Jetée (1962), Sans Soleil (1983), le Joli Mal (1963), Le Fond de l’air est rouge (1977), Chats perchés (2004) ou encore AK (1985), un essai cinématographique sur le cinéaste japonais Akira Kurosawa. Ses œuvres les plus notables sont ses documentaires, définies selon André Bazin comme des essais cinématographiques.

    Cela étant dit, Chris Marker était pas un pour travailler seul et il a collaboré avec des cinéastes, des acteurs, des artistes et même des ouvriers: Costa-Gavras, Yves Montand, Alain Resnais, Yannick Bellon, Alexandre Medvedkine, Jorge Semprun, Benigno Caceres, Thoma Vuille, Mario Ruspoli, Joris Ivens, Haroun Tazieff, William Klein, Mario Marret, Akira Kurosawa, Patricio Guzman ... Il était un fervent partisan du collectif Kourtrajmé et Islid Le Besco, dans lequel il est témoin d'une «nouvelle nouvelle vague".

    Tout au long de sa carrière, Marker était extrêmement intéressé par l’histoire et ses complexités, observant avec un œil averti, ironique, amusé et parfois furieux. Les thèmes de la mémoire et la nostalgie des temps passés réinventés mais à jamais perdus sont au cœur de ses réflexions.

    Alain Resnais, l'un des chers amis et collaborateurs de Marker l'a défini comme «le prototype de l’homme du vingt et unième siècle.» Le théoricien de film Roy Armes a affirmé que Marker était «inclassable parce qu'il est unique ... Le cinéma français a ses dramaturges et ses poètes, ses techniciens, et ses autobiographers, mais n'a qu'un seul essayiste de confiance: Chris Marker ".

  • Stéphane Marti

    Stéphane Marti (né le 7 Janvier 1951 à Alger) est un cinéaste, plasticien et enseignant. Marti se concentre sur ses recherches sur le cinéma expérimental comme pratique plastique détachées des codes du cinéma narratif dominant.

    Marti est un utilisateur du super 8, qu’il pratique depuis les années 70 et fait tout pour que cet instrument survie l’âge du digital. Il a suivi les cours de Dominique Neguez qui est défenseur et théoricien du cinéma experimental, de Michel Journiac, un protagoniste majeur de l’Art Corporel et d’André Almuro, un compositeur de musiques électroacoustiques.

    De 1985 à 2007, il travaille à l’UFR d’Arts Plastiques et Sciences de l’art de l’université de Paris 1- Sorbonne et partage son expérience à de nouvelles générations de cinéastes dans des ateliers. D’autre part, il organise plusieurs projections de films issus de ses ateliers: “les Brigades Smarti”.

    Dans son cinéma, Marti travaille énormement autour des questions du corps, du sacré, des troubles de l’identité sexuelle et des stratégies du désir.

    Rattaché d’emblée par la critique à l’« école du corps », son cinéma tourne principalement autour des questions du corps et du sacré, des troubles de l’identité sexuelle et des stratégies du désir. Ciselant toujours ses films par le super 8  qui allie splendeur visuelle à l'indépendance artistique et contre-culturelle, il conçoit une esthétique opératique de l'intimité dont les décadences maniéristes, les forces telluriques, les fastes rituels, les ors et les pourpres forgent les coordonnés baroques et flamboyantes de ses « petits théâtres du corps ».

    Parallèlement, il s’engage dans d’autres pratiques comme la peinture, la photographie, l’installation, les environnements de projection et façonne des Totems faits d’assemblages, de photomontages et d’objets issus de ses propres films et qui créent, par leur combinaison, des narrations sans fin, déchirées, fragmentées telles qu’on les connaît dans ses œuvres cinématographiques.

    Depuis, notamment, La Cité des neuf portes (Grand prix du cinéma différent et prix de la critique au festival d’Hyères en 1977), son œuvre filmée a été montrée dans un nombre important de festivals et de manifestations nationales ou internationales (à Montréal, New York, Londres, Tokyo, etc.) et a suscité de nombreux articles et entretiens.

  • Babara Meter

    Barbara Meter est une cinéaste néerlandaise qui a terminé ses études à l'Académie du Film Néerlandais en 1963 et a reçu un MA Film et vidéo à la London School of Printing en 1995. Au début des années 1970, Meter a co-fondé l'Electric Cinema, une citadelle du cinéma néerlandais expérimental. Elle a fait un certain nombre de films expérimentaux, ainsi que des longs métrages et des documentaires. Outre le cinéma, elle a travaillé en tant que conservatrice des programmes de films, professeur et maître de conférences free-lance sur le film.

  • Adolfas Mekas

    Adolfas Mekas (né le 30 Septembre 1924 à Semeniskiai, Lituanie et mort le 31 mai 2011 à Poughkeepsie, New York) était un cinéaste lituanien, scénariste, réalisateur, monteur, acteur, éducateur et mentor. Adolfas Mekas a collaboré avec son frère Jonas Mekas à établir le magazine séminale Film Culture, et coopérative Film-Maker. Il a été associé avec George Maciunas ainsi que le mouvement artistique Fluxus. Ses courts métrages intègrent un esprit comique et anarchique, mis en évidence dans son long métrage «Hallelujah the Hills" (1963), qui a été présenté au Festival de Cannes et est maintenant classé comme un classique américain. Adolfas Mekas a joué un rôle clé dans la société de film expérimental, le «New American Cinema" dans les années 1960.

  • Jonas Mekas

    Jonas Mekas, né le 24 décembre 1922 dans le village de Semeniškiai, près de Biržai, Lituanie, est un écrivain et réalisateur. Figure du cinéma underground, il est aussi critique et enseignant de cinéma. Il a popularisé le journal filmé.

  • Bill Morrison

    Bill Morrison (né le 17 Novembre 1965 à Chicago) est un cinéaste et artiste basé à New York. De 1983 à 1985, Morrison a assisté à Reed College et est diplômé de Cooper Union School of Art en 1989. Ses films incorporent des documents d'archives rares, sont mis à la musique contemporaine et ont été projetés dans les théâtres, les cinémas, musées, galeries et salles de concert à travers le monde.

    Morrison a travaillé au Musée de New York d'Art Moderne entre Octobre 2014 et Mars 2015. Il est membre de la Fondation John Simon Guggenheim Memorial, a reçu les prix Alpert dans les arts, une subvention de la National Endowment for the Arts, Creative Capital, et une bourse de la Fondation des arts contemporains. En outre, sa conception de projet théâtral avec Ridge Theatre a été récompensé par deux prix Bessie et un Obie Award.

    Morrison a collaboré avec une multitude de compositeurs et interprètes de notre temps influents, tels que: John Adams, Maya Beiser, Gavin Bryars, Dave Douglas, Richard Einhorn, Erik Friedlander, Bill Frisell, Philip Glass, Michael Gordon, Henryk Gorecki, Michael Harrison , Ted Hearne, Vijay Iyer, Johann Johannsson, Kronos Quartet, David Lang, David T. Little, Michael Montes, Harry Partch, Steve Reich, Todd Reynolds, Aleksandra Vrebalov, et Julia Wolfe, pour en nommer quelques-uns.

    En 2002, Morrison a collaboré avec le compositeur Michael Gordon pour faire “Decasia », un long-métrage qui a été choisi par la Bibliothèque du Congrès à son National Film Registry en 2013. Le long-métrage des deux hommes est le premier film du 21ème siècle à être sélectionné à la liste, ce qui lui vaut la reconnaissance des individus, tels que J. Hoberman, le critique de cinéma qui a dit qu'il était «le film le plus largement acclamé avant-garde américaine de la fin-de-siècle". Le cinéaste Errol Morris a également salué la création en affirmant qu’elle était peut-etre "le plus grand film jamais réalisé." Basel Sinfonietta a commandé le film et il devait être présenté sur trois écrans entourant le public, avec 55 musiciens interprétant le score de Michael Gordon.

    Après son succès avec 'Decasia', Morrison a collaboré avec le compositeur / trompettiste Dave Douglas et fait «Spark of Being». Après la sortie du film, ils ont été attribués la Edwards Expérimental / Film Award Douglas indépendant / vidéo à la Los Angeles Film Critics Association 2011 Awards.

    Son film «Le Déluge» était le produit d'une de ses récentes collaborations en 2014 avec le compositeur / guitariste Bill Frisell, le conduisant à recevoir le Smithsonian Magazine’s American Ingenuity Award for Historical Scholarship.

  • François Miron

    François Miron (né le 20 Septembre 1962 à Montréal, Québec, Canada) est un réalisateur, cinéaste et producteur. Miron a commencé sa carrière de cinéaste en 1982, quand il a travaillé exclusivement avec l'émulsion dans laquelle le corps de son travail se composait de plusieurs courts métrages expérimentaux, tous fabriqués en utilisant une technique puissante d'image du film de manipulation qu'il a maîtrisé: l'impression optique. En 1990, il a reçu une maîtrise en cinéma de l'école de l'Art Institute de Chicago ainsi qu’une bourse de mérite. Ses films ont été présentés dans des festivals et plusieurs endroits à travers le monde. Ses œuvres ont reçu de nombreux prix et éloges souterrain. A part son succès en tant que cinéaste, Miron a également créé et tourné des vidéos de musique, la photographie et depuis 1993, il a enseigné l'impression optique, le cinéma, et les aspects techniques de films à l'École de cinéma Mel Hoppenheim à Montréal. Il a complété la production de «The 4th Life» en 2007, un 35mm long métrage écrit avec James Galwey. Un an plus tard, il a reçu le Prix Juno pour son travail photographique pour le groupe Arcade Fire et de la couverture de l'album Neon Bible de leur CD; les images de l'album ont été extraites à partir d'images qu'il tourné en 16mm B/W et du film inversible couleur. Dans la même année, il a remporté le Prix à la création artistique du Conseil des arts et des lettres du Québec pour son film 'Hymne à Pan'. Plus récemment, Miron complété son documentaire sur le cinéaste avant-gardiste Paul Sharits qui a eu sa première au 44ème Festival International du Film de Rotterdam fin de Janvier 2015.

  • Gunvor Nelson

    Gunvor Nelson (née en 1931 à Stockholm, Suède) est une réalisatrice suédoise, cinéaste et écrivain, qui réside actuellement à Kristinehamn, Suède. Elle a travaillé depuis les années 1960 comme une cinéaste expérimental. Ses œuvres pour la plupart bien connus datent de quand elle vivait dans la région de le Bay Area au milieu des années 1960 et au début des années 1970. A cette époque, Nelson, est devenue une artiste bien établie dans le cercle de film d'avant-garde de l'époque et encore aujourd'hui. En 2006, elle a créée une vingtaine de films, cinq vidéos et une installation vidéo.

    Nelson a obtenu une maîtrise des arts de Mills College à Oakland, en Californie. Elle a enseigné à l'Art Institute de San Francisco de 1970 à 1992, puis a déménagé à la Suède en 1993. Elle a passé un an à l'Université d'État de San Francisco de 1969 à 1970 et un semestre à l'Ecole de l'Art Institute de Chicago en 1987. Ses œuvres ont été exposées à un certain nombre de différents festivals européens et nord-américains, one-woman shows et elle a reçu de nombreux prix et bourses Guggenheim Fellowship, deux National Endowment for the Arts subventions, subvention de la Fondation Rockefeller. Ses films ont été présentés dans le monde souterrain du cinéma à la fois sur l'Ouest et la côte Est des États-Unis, jusqu'au milieu des années 70 quand elle a gagné la reconnaissance des éditeurs de Playboy à Pauline Kael. Son film «Take-Off», une satire sur la performance du strip-tease est en partie responsable de cette reconnaissance.

    Dans son travail Nelson se concentre sur les thèmes de l'enfance, la mémoire, la maison / pays natal, le déplacement, le vieillissement, la mort et la force de la nature- tout en entrelaçant la beauté et la puissance féminine.

    Son travail d’éditrice est remarquable par son imagerie onirique et son attention aux effets de la langue et du son sur les images en mouvement, servant à améliorer l'esthétique de ses œuvres expérimentales. Beaucoup de films de Nelson sont considérés comme étant «personnels» plutôt que «expérimentals» ou «avant-gardes».

  • Solomon Nagler

    Solomon Nagler est un réalisateur canadien, producteur et écrivain, connu pour 'Black Salt Water Elegy’ (2010), ‘Cinémas’ (2014) et ‘J.’(2009). Nagler a reçu son BA avec un honours en philosophie de l'Université de Winnipeg et son MFA en production cinématographique de l'Université Concordia. Ses films ont été présentés à travers le Canada, les États-Unis, en Europe et en Asie dans des lieux tels que: Centre Pompidou à Paris, L'Université Paris Panthéon Sorbonne et le Lincoln Center à New York. Son travail a été présenté à une variété de différentes destinations, dont: Retrospectives at the Winnipeg Cinematheque in August of 2004, at the Excentris Cinema in Montreal in August of 2007, the Festival Du Cinéma Différent in Paris in December 2005 and 2007, The Calgary Society of Independent Filmmakers and The Canadian Film Institute in 2009.

  • Werner Nekes

    Werner Nekes (né le 29 avril 1944 à Erfurt, Allemagne) est un réalisateur et collectionneur allemand. Nekes a étudié la linguistique et la psychologie à Freiburg. Il débute sa carrière dans le cinéma dès 1964 à Bonn et fait parti du Ciné-club de l’université et obtient une chaire au FIAG. Suivant ce début de carrière, il développe des amitiés avec plusieurs réalisateurs, sculpteurs et peintres. Après sa rencontre avec Dore O., les deux collaborent ensemble dès cette rencontre en 1967. En 1965, il commence la peinture et utilise de divers matériaux et objets puis il réalise des films en 8 mm et en 16 mm.

    Nekes a pour but de libérer le film de la narration et de sa visée psychologisante pour ensuite le construire en respectant de critères temporels et des systèmes structurels. Le Kurzfilmtage d’Oberhausen rejette ses films au printemps 1967, ce qui le pousse a organiser un contre évènement. La même année, Nekes arrive à Hambourg avec Dore O. et l’épouse le mois suivant.

    Aujourd’hui, il est le cofondateur de la coopérative de cinéastes de Hambourg et est l’un des organisateurs de la “Hamburger Filmschau”. Des 1973, il voyage dans le monde entier afin de participer à des séminaires sur les théories du films ou à des rétrospectives. Il s’installe à Mulheim en 1978.

    Il est aussi le cofondateur du Filmburo NW (1980) et du ICNC (Centre International pour le Nouveau Cinéma) à Riga en 1988. Ses oeuvres ont été présenté dans des grands musées et festivals, dont le Museum of Modern Art de New York et la Dokumenta de Kassel.

    En parallèle, il exerce son métier de professeur: de 1969 à 1972 et de 2004 à 2006 à l’Académie des Beaux Arts (Hochschule für Bildende Künste) de Hambourg, de 1981 à 1982 à l’université de Wuppertal, de 1982 à 1984 à la Kunsthochschule Offenbach et, de 1990 à 1996 à l’Académie des arts des médias de Cologne. Entre autre, il a réuni dans une importante collection privée des artefacts qui témoignent 500 ans d’expérimentations pré-cinématographiques et documente les avancées des débuts de l’histoire du cinéema, se concentrant particulièrement sur les principes de représentations spatiaux et temporels.

  • Annabel Nicolson

    Annabel Nicolson (née en 1946) est une réalisatrice, co-rédactrice, éditrice et cinéaste. Nicolson a étudié à Hornsey College Art, 1964-1965; Edinburgh School of Art, Dessin et peinture de 1965 à 1969 et de St Martins School de poste de cinéma Art diplômé 1970-1. De 1969 à 1970, elle a opéré la galerie aux nouveaux arts Labs, Londres et était un programmeur de cinéma à Co-op de la London Film Maker en 1974, 1976-1977 et 1992-1993.

    Nicolson est l'une des fondatrices de Cercles - Film de Femmes dans la distribution 1979, collaboratrice de rédaction pour le magazine Musiques 1976-1979, co-rédactrice en chef et éditrice, magazine Readings 1977. En 1980, elle a reçu la bourse John Brinkley de la Norwich School of Art. Elle est maintenant à temps partiel et conférencière invitée dans des écoles d’art, y compris: Cheltenham, Chelsea, Falmouth, Ravensbourne, Glasgow, Wolverhampton et St Martins, Londres.

    Ses films et spectacles ont été exposés dans des musées et des galeries à la fois national et international, et ses œuvres d'arts ont été à la London Film décideurs Co-op et la Galerie Acme, Londres au Stedelijk d'Amsterdam et le Musée d’Art Moderne, Vienne. Son travail se trouvent dans plusieurs collections, tels que: Archive Nationale Belge de Film, British Film Institute, l'Université de Canterbury, Femmes Artistes Bibliothèque Slide et son livre d’artistes «Escaping Notice” est au Victoria and Albert Museum.

  • Vivian Ostrovsky

    Vivian Ostrovsky (né le 17 Novembre 1945 à New York, États-Unis) est une cinéaste expérimental et conservatrice. Malgré le fait qu’elle est naît à New York, Ostrovsky a passé la plupart de son enfance à Rio de Janeiro, au Brésil et a fait ses études secondaires là-bas. Elle a ensuite poursuivi ses études en psychologie et en cinéma à l'Université de la Sorbonne à Paris. Elle a commencé à travailler pour le Ciné-Femmes, un groupe qui a combattu pour le féminisme ainsi que sa visibilité. En 1980, elle est devenue cinéaste et a abandonné sa carrière en tant que militante. Elle a organisé un certain nombre de festivals, l'un d'eux étant Jérusalem.

    Les films d'Ostrovski explorent le thème du transit et elle se situe après le cinéaste et critique français, Yann Beauvais entre le “film journal” et le “film de collage".

  • Etienne O'Leary

    Etienne O'Leary (né le 24 Octobre à Montréal, au Canada et est mort le 17 Octobre 2011 à Montréal, Québec, Canada) était un acteur, réalisateur et directeur de la photographie. Ses œuvres les plus connues sont ‘Chromo sud’ (1968), ‘Day Tripper’ (1966) et ‘Champs Elysées’ (1966).

  • Pat O'Neill

    Pat O'Neill (né en 1933 à Los Angeles, Californie) est un cinéaste indépendant américain, spécialisé dans l’expérimental et cinéaste qui a également travaillé dans l'industrie des effets spéciaux. En dépit de travailler avec une portée technique et esthétique extrêmement large, O'Neill est surtout connu pour ses compositions de films uniques qui entrelacent le surréalisme et l'humour, tout en maîtrisant la tireuse optique. Ses œuvres explorent les affrontements complexes entre le monde naturel et de la civilisation humaine. Une partie du cinéma, il a également travaillé avec le dessin, le collage, la sculpture, l'installation et d'autres médiums artistiques

    Certains de ses premiers films 16mm comprennent ‘Runs Good’ (1970), et 'Down Wind' (1973). Plus tard, il a fait 35 films mm, tels que: ‘Trouble In The Image’, ‘Water and Power’ (1989) (1996), et ‘The Decay of Fiction' (2002). Son film ‘Water and Power’ a été ajouté au Registre national du film en 2008.

    Les films de O'Neill sont exposées dans un certain nombre de différentes archives et musées du monde entier. Sa collection complète peut être consultée à l'Académie of Motion Picture Arts and Sciences Film Archive, où beaucoup de ses courts métrages ont été conservés.

    Il a enseigné à l'Institut des Arts de Californie et a influencé de nombreux élèves CalArts, y compris: Adam Beckett, Robert Blalack, Chris Casady, et Larry Cubas, qui ont ensuite travaillé sur les effets spéciaux de Star Wars.

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